domingo, 30 de abril de 2017

KEY HIRAGA (1936) / NO CONSIENTO MÁS DESMADRES

  •  Me atrevo a citar Francastel con aquello de que de "las obras de arte verdaderamente creadoras se desprende una estética nueva y no formulada previamente en términos de ley. Si ese ha sido el propósito del japonés HIRAGA es con el fin de huir del intelectualismo, de esa conceptualización que seca el arte y acaba convirtiéndolo en mera tecnología.  
  •  En estas obras se mistifica el primitivismo idolátrico del pasado con la orgía del presente, se ensalza una iconoclastia verbenera y cromática con la fuerza originaria de la intuición creadora, del instinto, del placer en suma. Son vestiduras de gala para llevar en banquetes y bacanales. Con ello queda uno seducido definitivamente. 



Todo el silencio de España ha quedado recogido, intacto, llevado hasta la pintura, por ese pintor, el más misterioso del misterio de la pintura española que es Zurbarán, su blanco quiero, su blanco silencioso.
(María Zambrano)


lunes, 24 de abril de 2017

HORST JANSSEN (1929-1955) / MAGNETISMO EN MI MANO

  •  Balthus no se equivocaba al decir que "el dibujo es una escuela estupenda de verdad y exigencia en un trabajo más austero, más místico quizá". En él residen las indagaciones múltiples de dentro, cuyo misterio turbador intenta desvelar el lápiz. 
  •  Por eso el alemán Janssen es una "rara avis" que no se somete a ningún dictado excepto al suyo. Su magnetismo está en la línea, el trazado, las zonas sombreadas, la casi ceguera de esos ojos, las disímiles facciones conjuntadas, ese primer plano que nos permite intercalar la mirada y tratar de apurar el significado. Una obra inapreciable. 
 ¿Cómo despejar la autenticidad si cada acción nos crea o nos deforma, si aquello que hemos vivido arroja su sombra?
(María Zambrano?

domingo, 23 de abril de 2017

HELMUT LEHBER (1933-1997) / LA PINTURA SE RENUEVA

  • El vienés LEHERB se atiene al contexto artístico de un grupo austríaco que partiendo del modernismo quería revitalizar su génesis desde otras bases en las que la realidad tomaba otro sino. Y en su caso ese llamado realismo fantástico tenía una ambición universal.  
  •  Utiliza en su plástica una amalgama que tiene en cada parcela del lienzo una dimensión distinta, unos signos que van desde la urbe y sus símbolos, sus iconos, hasta la simple naturaleza. El color hace de vehículo y expresión, de identidad y estructura, sin olvidar esa geometría que congenia espacio y representación dentro de él. 
La vida humana es de por sí irónica; donde que comienza lo humano comienza la ironía; a mayor humanización mayor juego de reflejos entre el ser y el no-ser. Lo humano es la actualización del ser.
(María Zambrano)

viernes, 21 de abril de 2017

JACQUES LACOMBLEZ (1934) / RELIEVES DEL SIGLO XX

  •  La obra de arte, se recalca, es un objeto único de diálogo y de confrontación, un espejo y un receptáculo, el testimonio de una sensibilidad, de una intuición y de un instinto. Así lo entienden los artistas y entre ellos, el belga LACOMBLEZ, que estructura su pintura en signos de largo recorrido, desde la antigüedad hasta hoy, como si fuesen relieves donde quedasen inscritos los lenguajes secretos y los ritos, la vida y la muerte.      
  •  Con un cromatismo centelleante y armonioso, el valor de su obra es un comentario de lo que ella misma es, resaltando su coherencia estilística, su magia, que ha implicado un proceso de análisis intenso cuyo resultado es la conglomeración y uniformización de todos los elementos significativos.  
 El pensamiento que revela la realidad crea un espacio vital, respirable.
(María Zambrano)

martes, 18 de abril de 2017

EDWIN DICKINSON (1891-1978) / NO HAY QUE HABLAR TANTO DE ARTE, HAY QUE HACERLO

  •  Balthus me libera de añadir apuntes o añadidos tan precisos ante una obra, dada su experiencia y su singularidad, como la de conceptuar los retratos, no como documentos sociológicos, sino como trozos del alma, frágiles y sin embargo poderosos, por haber tenido la fuerza de permanecer vivos, aunque ocultos.  
  •  Por eso el estadounidense DICKINSON plantea a través del retrato y su figuración un modo de concebir una realidad con la que está relacionado y que le reclama un traslado hacia el campo de la plasticidad para seguir aprehendiendo el mundo desde otras vías.   
  •  Sus incisivos rostros reflejan una fe inexistente, la interrogación sobre ese extravío, las sombras que desprenden, la muerte que añoran. Esas facciones son las que sobresalen del espacio porque ya no les importa lo que hay en él, quieren ir hacia otro, pero ignoran la ruta y el nombre que lo hace posible. 

domingo, 16 de abril de 2017

NICOLAS CANU (1966) / SERRARLE LAS PATAS

  •  La parodia se acompaña de soledad y horror, también de referencias pictóricas del pasado, maldiciones y encrucijadas. La pasta tiene que ser muy densa, muy aglutinada, pastosa, que dé una impresión física e implacable. 
  •  Leon Golub peroraba que "ante todo el arte debe definir al hombre en esencia y en los fines de su existencia". El del francés CANU lo concibe como una transmutación desposeída de cualquier pensamiento que no sea el abismo de su destino en el mundo contemporáneo.  
 
  •  Pero conservando esa síntesis estilística que hace más expresa la burla de sí mismo, de su proceder humano y de su condena casi divina. Una pintura corrosiva en que la fealdad es la verdadera cara del ser y de la utopía vista desde la perspectiva de una creación catastrofista y nunca conciliadora. 
 Obedecer a la experiencia y sólo a ella, vivir a partir de algo cierto, sería legitimar la vida, el hecho de haber nacido, de aceptarlo....
(María Zambrano)

jueves, 13 de abril de 2017

IVÁN LE LORRAINE (1897-1983) / NADIE SE HA PUESTO EN MI PIEL

  • El norteamericano Le Lorraine, por si quedaban dudas, explicaba él mismo que la pintura la trabajaba en la oscuridad y la luz fundidas con el crepúsculo y las sombras, con el movimiento y la inmovilidad.  En su pincelada penetra la carne de un drama y en sus autorretratos la visibilidad es la plástica de la decadencia.  
  •  Pero también se infiere la sabiduría de un quehacer renacentista que su tiempo, en su vida, adquirió la tortuosidad de una fealdad que el tiempo no quiso corregir. Él la sentía y la plasmaba, y al final se le iba de las manos porque conocía unos secretos que no confesaba. Fue autor único e inimitable.  
 Ahora tendría que deslizarse en el silencio de días iguales a sí mismos.
(María Zambrano)

miércoles, 12 de abril de 2017

KEES VAN BOHEMEN (1928-1985) / UN DELIRIO BIEN TRABAJADO

  •  El inicio es espesura cromática y unas texturas que rasgan, corretean, difuminan o abren, luego se cierran y proyectan una endiablada dinámica que hace flotar a los seres que no saben para donde dirigirse, presienten que el sueño les ha arrebatado y les ha dejado en un paisaje que también se busca a sí mismo.  
  •  El holandés VAN BOHEMEN es un pintor de planos de color enrevesados porque en un momento dado los deja a su aire, les induce a ser espontáneos y marcar sus tonalidades y complementariedades de acuerdo con el signo que quieran convocar y articular.
  •  Los otros, los que salen de debajo y surgen para testimoniar su realidad también, que naden entre esa masa y se impregnen de ella ya que su vida plástica ha alcanzado su entidad gracias a haberse atrevido a introducirse en ese escenario de ultratumba donde ha dejado de contar el tiempo.  
 El horror del nacimiento: Job pidiendo cuentas a su autor.
(María Zambrano)

lunes, 10 de abril de 2017

JAN COX (1919-1980) / NUNCA ESTUVE DE ACUERDO

  • Al holandés COX no le interesaba ser un hombre muy enfrascado en su tiempo excepto en todo aquello que le brindaba un mejor conocimiento y entendimiento de la pintura, de cómo podría materializarla sin recibir nada en préstamo.  No se daba cuenta de que no podía soñar.   
  •  Por lo cual, siempre anduvo de foco en foco, de imaginería en imaginería, oteando, tratando que su plástica, fuese horrible o desesperada, tuviese una significación difícil de descifrar puesto que estaba sumida en el último sino del secreto y ni él mismo lo sabía. 
 Vivir es anhelar y bajo el anhelar la avidez, el apetito desde lo más adentro, el hambre originaria.
(María Zambrano)

sábado, 8 de abril de 2017

HENRY HEERUP (1907-1993) / LO QUE TENGO ES JÚBILO

  •  La obra del danés HEERUP, que perteneció a COBRA, tiene un aura predecesor de posteriores ismos (así llamados). En su caso la tragedia no está en sus genes pictóricos, sino en un juego que está inspirado en experiencias visuales culturales y estéticas anteriores. 
  •  Por eso la estructuración de sus creaciones está muy planificada y diseñada, de tal forma que la magia, en aras de una consecución de una mayor potencia expresiva y visiva, esté compaginada con un enfoque esquemático de la forma y del color, que a pesar de su pureza no se agitan, conservan la calma.   
 La tragedia única es haber nacido. Pues nacer es pretender hacer real el sueño.
(María Zambrano)

miércoles, 5 de abril de 2017

GABRIJEL STUPICA (1913-1990) / ME MORIRÉ Y NO HABRÉ SUCUMBIDO

  •  Al principio estas pinturas del esloveno STUPICA nos suenan familiares y ligadas a otras propuestas plásticas europeas. Más tarde, y según vamos metiéndonos en ellas, encontraremos que su idiosincrasia es más singular, por cuanto esos contornos dentro de un espacio vacío contienen un significado concreto y determinado sobre sus vivencias.   
  •  Ya avisaba Graham Sutherland que habíamos de guardarnos de racionalizar los mecanismos del espíritu, que son a menudo irracionales y siempre misteriosos. En este caso constituyen los signos infantiles de un mundo que no quiere desvelarse. Y es verdad que lo tienen todo para que la clave siga estando a cubierto. 
 El juicio de quien debía de oír y entrar sin más en el dentro de la propia vida es la muerte.
(María Zambrano)

lunes, 3 de abril de 2017

PEPE DEL VALLE / ME SALIÓ UN BESTIARIO

  •  El cubano DEL VALLE, más conocido por su faceta de músico, tiene una vía plástica de escape frente a los vivos y los muertos. Hoy, día 3 de abril, inaugura exposición en la Embajada de Cuba en Madrid, con el fin de ofrecer una sátira de una humanidad que, con fe o sin fe, se ve rota y derrotada.   
  •  Él postula un expresionismo seco y concentrado que no vie en una torre de marfil, sino que se dirige al vecino e intenta sacarle del sueño (Oscar Kokoschka). Pero esas escenas prácticamente monocromas conforman un bestiario hallado en la piedra, tallado, desnudado, obscenamente extraído de ella para así participar en la creación y llegar hasta el corazón mismo de la materia.
  •  A pesar de que su obra huye de lo determinante, es una ficción que no guarda ningún secreto, está ahí, sin ningún formalismo que atribuirle, sin ninguna definición que le marque, sin ningún aliento más que el destino funesto de unos engendros que esperan el milagro de una bendición.